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Pablo Gargallo: el volumen de un espacio creativo

Eduardo Beltrán Jordá

Desde el punto de vista del espectador, nunca antes la escultura había sido tan lúdica como en las sugestiones formales de la recreación figurativa que efectuó Pablo Gargallo en el primer tercio del siglo XX. Solamente Julio González le complementa desde la forja del metal, en este período, proporcionándonos una motivación dirigida a averiguar qué figuras de nuestra realidad envolvente, guardan verosimilitud imaginativa, con las formas materiales escultóricas, pero desde su ejecución abstracta. Es decir, en el modo en que guardan un trasunto de lo que llamamos materialidad física o realidad.Sin embargo, aproximarse a lo que imita a la naturaleza, no es el objeto (ni siquiera un objetivo principal) de la producción artística de nuestros dos escultores, ni tanto de su percepción o experiencia sensible, ni de su creatividad. Sí será la de formalizar un espacio nuevo: crear un espacio como una nueva plasticidad material, teniendo presentes la geometrización (geometría euclidiana) y la intuición artística (sensorial) cuya sucesión en el tiempo multiplica su percepción sensible. Así pues, debemos considerar el esfuerzo de  observar -rodeando- una escultura “cubista”, como el resultado gratificante de relacionarnos con la creatividad de observación y expresión múltiple, que artistas como Gargallo o González, demostraron en su imaginación plástico-escultórica. Una imaginación heterogénea que tenemos la oportunidad de actualizar de este modo.

Según J.F. Yvars, la definición del espacio arquitectónico del cubismo,  en Kahnweiler, viene  reforzada por la adopción de las ideas sobre el espacio y el tiempo de Henri Bergson, las cuales Kahnweiler había tomado como claves en la intención del cubismo plástico. Bergson, basado a su vez en los estudios científicos de Poincaré, interpretó el espacio geométrico-euclidiano y el tiempo-movimiento como una conjunción enlazada a través de la experiencia personal del artista. Una visión sensorial, táctil, cualitativa e  intencional, en movimiento. Es “la intuición artística” en La evolución creadora de Bergson.

Julio González parece construir y formalizar su autenticidad humana sobre una aparente rudeza y pobreza de la materialidad, y con la poética de la elisión abstracta, es decir, aquella sintetización o fusión geométrica y lineal -propia del cubismo– de las formas naturales o reales y volumétricas. Un escultor que -como él mismo decía- dibujaba y construía con la materia forjada en el espacio. Pablo Gargallo y Julio González son dos creadores en y con el espacio volumétrico; afines a los pintores cubistas (Picasso, Braque, Gris) que definieron su espacio compositivo ajenos a la verosimilitud y a la virtualidad -pero en todo caso teniendo como punto de partida lo real-, dentro de la bidimensionalidad del cuadro y el lienzo. Los artistas españoles relacionados con el cubismo, hasta aproximadamente el 1936, obtuvieron de la realidad un pretexto (que no un fin) para un “arte nuevo”.

Insisto en que es una experiencia única observar in situ sus piezas escultóricas, por medio de un movimiento rotatorio alrededor de ellas, para descubrir el modo en que Gargallo replantea mediante planos y vacíos, los volúmenes de la materia figurativa semejante al natural. Esta acción, atractiva, adivinatoria, que tiende a reconstruir las diversas facetas de los espacios, se puede realizar en el museo Pablo Gargallo de Zaragoza (donde se ubica una de sus obras maestras, El Profeta) y en el MNAC de Barcelona.

Pablo Gargallo (“Pequeña bailarina española”, 1927, MNAC de Barcelona)

La “Pequeña bailarina española” Podría ser una bailarina realizada al modo de los planos compositivos geometrizados -rectángulos, triángulos, elipses-, propios de las inspiraciones artisticoformales del denominado cubismo en los albores del siglo XX. Pero se trata de una pieza de un escultor que siguió cierto contagio deco-rativista en las esculturas y pinturas, propio de los años veinte europeos -a partir de 1925 con la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de París-,  basado en el linealismo geométrico, formalista y ornametal del diseño; pero a su vez, siguió forjando los metales, con un conocimiento exhaustivo de su oficio artesanal, embebido en una creatividad artística extraordinaria, cuya imaginación de las formas volumétricas escultóricas, al representar las masas reales, es exquisita. J. F. Yvars, en su recopilación de textos, Trencar les formes, dice que se trataría del “desarrollo tridimensional de la capacidad imaginativa hasta las últimas consecuencias del arte del volumen en el espacio”.

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(1) El art “déco” es un estilo eminentemente ornamental basado en un lenguaje geometrizante de estilos vanguardistas (De Stijl, cubismo, futurismo) y exóticos o antiguos (egipcios, orientales, negroafricanos, precolombinos), pero con carácter burgués, de culto a la calidad material, el lujo y la ostentación, con elementos “kitsch”. Domina las areas del grafismo y el diseño, pero logra incorporarse a las principales artes (arquitectura y plástica). Su tono es conservador y a su vez ambiguo, porque asimila los “ismos plásticos” del primer cuarto del siglo XX, únicamente, de manera formalista y no ideológica o estética. Es, además, propio del período de entreguerras europeo y norteamericano, y se le ha considerado como el exponente del poder capitalista de este período, y como factor influyente en el arte nazi.

Bibliografía:

YVARS, J. F. (2009), Trencar les formes, Barcelona, Edicions 62.

AGUILERA CERNI, V., coor. (1979), Diccionario del arte moderno, Valencia, Fernando Torres editor.

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